Interview - Ressources fournies par Lawrence Shapiro

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ARTICLE PUBLIÉ DANS LA REVUE DE DANSE BRITANNIQUE "CHOREOGRAPHIC PRACTICES" EN 2023

Lawrence Shapiro printemps 2023 Courriel : lawrenceshapiro@shaw.ca

Le danseur amputé : Une conversation (et plus) avec Lawrence Shapiro

Ce texte est né d'une réflexion de Lawrence Shapiro sur son voyage à Berlin, en Allemagne, parrainé par le Conseil des Arts du Canada, pour travailler avec "l'Initiative pour une plus grande diversité physique dans la danse contemporaine" et son ensemble Tanzfaehig.

Si le texte initial que Lawrence a proposé à Choreographic Practices reste un élément central de ce qui est présenté ici, il est complété par le texte d'une conversation que Lee Miller et Lawrence ont eue le vendredi 7^th Avril 2023. Après un début hésitant lors de la prise en main du logiciel de transcription, nous avons commencé.

Lee Miller: Bonjour. Bonjour, Lawrence. Merci beaucoup pour votre patience. Je sais que nous avons eu une très brève conversation avant que je ne commence à enregistrer, et je pense que cela explique pourquoi nous parlons aujourd'hui. Si vous le permettez, pourrais-je vous demander de nous redire votre point de vue sur les différences entre les contextes nord-américain et européen en tant que danseur handicapé ?

Lawrence Shapiro: À mon avis, le seul véritable centre d'intérêt en Amérique du Nord pour la danse avec des personnes handicapées se trouve en Californie, dans la région de la baie de San Francisco et, bien sûr, l'ensemble bien connu qui s'y trouve est AXIS Dance. En fait, après avoir dit cela, je vais me contredire complètement et dire que le chorégraphe avec lequel j'ai travaillé à New York a probablement plus d'expérience de travail avec des danseurs amputés que n'importe quel autre chorégraphe en Amérique du Nord. Mais New York ne m'apparaît pas de la même manière que San Francisco. Quand je pense aux arts du handicap, j'ai l'impression qu'ils fleurissent sur la côte ouest. Mais aux États-Unis, ils sont encore en train de se développer. Lorsque j'ai commencé à travailler dans ce domaine, il y a de nombreuses années, il n'y avait rien de comparable au Royaume-Uni, et il semble parfois que ce pays reste un centre d'intérêt pour les danseurs intégrés : Amici et Candoco ont des histoires qui remontent à plus de quarante ans. Il y a aussi StopGap, Step Change Studios, la Cathy Waller Company, et j'en oublie probablement. Mais, à mon avis, c'est au Royaume-Uni que la dynamique des arts du handicap trouve sa meilleure résolution. Je ne peux pas parler de l'Europe au-delà. En fait, lorsque j'ai rencontré mon hôte en Allemagne, il m'a dit "Nous ne sommes pas Candoco", comme s'il voulait tempérer mes attentes ! Il est donc clair que Candoco et les autres ensembles ont été les fers de lance d'un élan artistique en faveur des personnes handicapées qui, à mon avis, n'existe nulle part ailleurs.

LM: Pourquoi pensez-vous qu'il en soit ainsi ?

LS: Je me demande parfois si ce n'est pas parce que les Britanniques sont issus d'un héritage très riche en matière de théâtre et d'art de la performance. Je pense que cela se prête peut-être mieux à l'idée de la performance des personnes handicapées. Cet héritage théâtral n'existe pas de la même manière en Amérique du Nord, et je me demande si c'est de cet héritage théâtral que vient une plus grande curiosité pour représenter les personnages et les histoires de différentes manières. D'après mon expérience, les traditions narratives britanniques semblent avoir une sorte de dynamique et de curiosité à l'égard de l'altérité.

LM: Il est intéressant de vous entendre évoquer cette notion de théâtralité britannique très particulière. Et à bien des égards, ce que vous commencez à faire apparaître ici, c'est quelque chose qui émerge au début des années 50, une sorte de réalisme social britannique qui informe non seulement de nombreux contextes théâtraux, mais aussi l'émergence de formes télévisuelles et cinématographiques britanniques qui, historiquement du moins, s'appuient sur la représentation plutôt que sur l'aspiration.

LS: Je pensais à Joe Orton et John Osborne qui traitent des classes sociales et de la satire des classes, et qui proposent une autre façon de voir les choses. C'est peut-être l'une des raisons pour lesquelles on a l'impression que les Britanniques étaient si en avance en termes d'arts du handicap. Vous savez, il y a 20 ans, pour moi, tout se résumait à Londres, Londres, Londres, et c'est la raison pour laquelle j'ai gravité vers cela autant que je le pouvais.

LM: Pour vous, ce sentiment de dépasser le contexte canadien, nord-américain, est très clair dans votre façon de parler, et je suis curieuse de connaître votre expérience du dépassement du Royaume-Uni et de l'Europe.

À ce stade, il convient de sortir de la conversation et de s'intéresser à l'écriture de Lawrence proprement dite :

En tant qu'artiste sourde et handicapée validée par le Conseil des Arts du Canada et danseuse amputée, j'ai eu le grand plaisir de travailler avec une variété de compagnies de danse, de chorégraphes et d'artistes indépendants. Malgré l'évolution significative de la visibilité des danseurs handicapés, je sais par expérience que les danseurs amputés constituent une minorité rare et négligée au sein de cette population. Je suis fière d'être l'une d'entre elles, et ce qui suit est une réflexion sur mon expérience vécue en tant que danseuse amputée, avec un accent particulier sur mon travail avec l'ensemble berlinois Tanzfaehig, parrainé par l'Initiative pour une plus grande diversité physique dans la danse contemporaine.

En 2020, dans le cadre du programme de sensibilisation du Conseil des Arts du Canada, on m'a proposé de participer à l'initiative "Canada en Allemagne". N'ayant jamais travaillé en Allemagne, je souhaitais en savoir plus sur les arts pour les personnes handicapées dans la capitale allemande et explorer les dialogues possibles qui pourraient s'ouvrir à l'occasion de ce voyage. Je devais travailler avec Tanzfaehig à Berlin, qui réunit des artistes handicapés et non handicapés pour créer l'un des principaux ensembles de danse intégrée d'Allemagne. Après une première correspondance, les lettres d'acceptation nécessaires ont été échangées et j'ai pu présenter une nouvelle demande au Conseil des Arts du Canada pour rejoindre Tanzfaehig à Berlin. J'ai été ravie que ma candidature soit soutenue et j'ai commencé à préparer mes débuts en Allemagne. Des débuts qui allaient faire de moi la première artiste canadienne handicapée à se produire à Berlin.

LS: Je tiens à être très clair sur ce point. Je suis extrêmement reconnaissante de m'être produite à Berlin, c'est vrai. Ce que je voudrais également dire, c'est que je suis extrêmement frustrée qu'il n'y ait pas eu de danseurs handicapés. C'est ma frustration. Et j'ai vraiment l'impression que c'est quelque chose que je rencontre dans le monde de la danse au sens large. J'ai l'impression que l'on se concentre sur le travail avec des danseurs dont les handicaps sont plus invisibles, des interprètes neurodiverses et des interprètes ayant des difficultés d'apprentissage. Et pour être clair, ma frustration n'est pas que ces interprètes se voient offrir des opportunités de créer des œuvres. C'est plutôt que je rencontre rarement des danseurs qui me ressemblent. En tant que danseur amputé, je trouve frustrant qu'il n'y ait pas beaucoup de gens comme moi. Lors d'une conversation avec un chorégraphe, je lui ai dit que ce que j'aimais vraiment à Londres, c'est qu'il y a tant de danse pour les personnes handicapées. Et il m'a répondu qu'il y avait beaucoup de danse pour handicapés en Europe. En Italie, en Espagne. Et ma première question a été : mais est-ce que ces compagnies ont des danseurs qui me ressemblent ? Et c'est là qu'il s'est tu ! Cette population est sous-représentée et c'est ce qui m'a motivée à lancer un projet de recherche sur le danseur handicapé physique. J'ai vraiment envie de me concentrer sur la relation entre le handicap physique et la chorégraphie. Oui, c'est vrai.

LM: L'expérience, ce sentiment de ne pas se voir reflété dans le travail des autres, qu'est-ce que cela vous fait en tant que danseur ?

LS: C'est intéressant, parce qu'il ne s'agit pas seulement de ne pas me voir, mais aussi de l'expérience de rencontrer des chorégraphes qui sont moins sûrs d'eux lorsqu'il s'agit de s'engager avec des corps qui ne se conforment pas à leurs attentes quotidiennes. Et, je ne sais pas si c'est une comparaison productive ou non, mais je vais faire une comparaison entre le danseur amputé et le danseur en fauteuil roulant. D'accord, parce que le danseur en fauteuil roulant (et je parle ici de ceux qui travaillent dans leur fauteuil, pas dans les moments où ils peuvent le quitter), mais ils sont dans une sorte de mouvement stationnaire. Le chorégraphe peut imaginer comment cela peut fonctionner, mais on a l'impression qu'il y a une anxiété différente avec le danseur amputé, et ils représentent chaque interprète apportant avec eux un ensemble très différent de pratiques incarnées en fonction de la nature de leur amputation. Ils peuvent danser avec ou sans prothèse, ils peuvent danser sans béquilles ou ils peuvent simplement sautiller sur scène. Je ne pense pas que beaucoup de chorégraphes aient eu beaucoup d'expérience avec des amputés, et bien sûr la grande exception ici est Heidi Latsky à New York, qui est une chorégraphe prééminente de la danse du handicap aux États-Unis aujourd'hui, et je dois tout à Heidi. Je dois tout à Heidi. C'est une femme formidable. Mais... Oui, je crois que lorsque je travaille avec le chorégraphe, il est tout à fait possible que je sois le premier danseur amputé avec lequel il ait jamais travaillé, et c'est en tout cas ce que j'ai vécu à Berlin. J'étais le premier danseur amputé pour lequel le chorégraphe avait travaillé.

À mon arrivée dans la capitale allemande, je n'aurais pas pu ignorer davantage le multiculturalisme de Berlin. Juste à côté de mon appartement, il y avait un restaurant éthiopien et un restaurant vietnamien dans un quartier de Berlin à prédominance turque. J'ai rapidement appris que l'Allemagne comptait la plus grande communauté turque du monde en dehors de la Turquie. La direction de l'ensemble de danse avec lequel je devais travailler était allemande, mais les deux chorégraphes qui dirigeaient les répétitions et chorégraphiaient la pièce que nous devions présenter étaient italiens. Aucune des personnes que j'ai rencontrées pendant mon séjour n'a hésité à décrire Berlin comme une ville bilingue où tout le monde parlait anglais et allemand, à tel point que les menus des restaurants étaient rédigés en anglais et en allemand. J'ai vite compris que Berlin n'était pas typique de l'Allemagne et j'ai commencé à me demander si elle n'était pas non plus typique de l'Allemagne en termes d'approche de la danse et de la danse pour les personnes handicapées.

Nous avons entamé un processus de répétition de quatre semaines pour présenter une pièce en studio au Bethanien Arts Centre de Berlin au cours de l'hiver 2022. Comme tous les ensembles intégrés, Tanzfaehig travaille avec des danseurs handicapés et non handicapés. Je me suis retrouvée à travailler avec une demi-douzaine de résidents berlinois, un mélange d'interprètes valides et d'interprètes ayant des difficultés d'apprentissage. Étant le seul interprète à pouvoir s'identifier comme un interprète souffrant d'un handicap physique, j'ai réaffirmé mon sentiment que les danseurs amputés sont une rareté dans le monde de la danse intégrée. Ce sentiment de représenter un groupe sous-représenté m'a motivée à donner le meilleur de moi-même pour mes débuts en Allemagne, car je voulais tellement transmettre l'esprit, la réussite et le caractère unique de l'interprète souffrant d'une perte de membre.

Mon expérience de travail à Berlin a été une expérience de découverte. Les metteurs en scène italiens qui dirigeaient les répétitions parlaient couramment l'allemand et l'anglais, et leur stratégie chorégraphique consistait à partager avec nous une chorégraphie préconçue, dans laquelle l'ensemble était invité à apporter sa contribution. Au cours de ces échanges, j'ai appris que si l'une des chorégraphes avait déjà travaillé avec un danseur amputé, c'était en fait la première fois qu'elle concevait un mouvement spécifiquement pour un danseur amputé. Alors qu'ils développaient des stratégies pour travailler avec mon corps, j'en apprenais davantage sur cette ville et sur les contextes artistiques plus larges qu'elle abritait. L'approche de la chorégraphe italienne en matière de mouvement pour les interprètes ayant perdu un membre s'est d'abord concentrée sur un travail au sol dans lequel elle m'a fait faire des rotations circulaires en tapant du pied en synchronisation avec le mouvement. La séquence était peut-être plus délibérément représentative que ce à quoi j'avais été habituée auparavant. Depuis le sol, d'autres danseurs devaient m'aider à me mettre debout, puis je faisais semblant de tomber, avant d'être rattrapée et redressée une fois de plus, puis de sauter hors de l'espace, soutenue par leurs appuis physiques. J'avais davantage l'impression d'être chorégraphiée en tant que métaphore qu'en tant que corps.

Ces réflexions n'ont pas pour but de critiquer, mais plutôt d'exprimer le sentiment de responsabilité qui m'habite. Lorsque vous êtes le seul représentant d'un groupe déjà largement sous-représenté, il est difficile de ne pas penser à la manière dont vous serez lu. Je me suis demandé si mon public allemand avait déjà vu un danseur amputé. En ce qui concerne la création de l'œuvre, j'ai eu l'impression que ma présence dans la salle de répétition était une rareté, et j'ai ressenti le poids de la représentation de la communauté artistique canadienne des personnes handicapées à Berlin à ce moment-là. Aucun membre de l'ensemble n'avait travaillé auparavant avec un interprète ayant perdu un membre dans le cadre d'un processus chorégraphique. Il était donc vital pour moi que ma présence et ma pratique ne soient pas perçues comme un exercice thérapeutique, mais comme une expression légitime et artistique du mouvement avec un corps humain aux membres manquants. Il était, et il est toujours, important pour moi que l'impact esthétique et physique de ma danse soit frappant.

LM: Dans vos écrits, on ressent fortement le poids de vous percevoir comme la première rencontre de vos collègues avec un danseur souffrant d'une perte de membres, vous qui venez du Canada.....

LS: Mais ce n'est pas parce que je suis étrangère, cela ne rend pas mon corps unique. Il reflète simplement l'idée que très peu de personnes de mon groupe de handicap ont eu l'opportunité ou la formation pour travailler et danser, n'est-ce pas ? Mais oui, je suis une danseuse handicapée pionnière en ce sens que le Conseil des Arts du Canada m'a aidée à aller dans des endroits et à me produire. Donc, oui, j'ai l'opportunité et c'est pourquoi je suis capable de le faire. Je ne me positionne donc pas comme une personne unique, mais plutôt comme une personne qui, même avec ces changements dans la pratique intégrée, il y a encore tant de compagnies qui n'ont pas eu l'expérience de travailler avec un danseur amputé. Par exemple, je vais bientôt me rendre en Nouvelle-Zélande et je suis le tout premier Nord-Américain, non, le premier artiste handicapé international que cette compagnie ait jamais eu à travailler avec eux, et je fais une résidence avec eux. C'est la première fois qu'ils organisent une telle résidence. Je serai donc la première en Nouvelle-Zélande, et j'ai été la première avec laquelle les danseurs allemands ont travaillé. C'est pourquoi je pense qu'il est si important qu'en tant que danseuse handicapée, je concentre mes recherches sur les danseurs handicapés.

Une fois, je travaillais dans une compagnie, en duo avec une danseuse valide, et elle m'a dit qu'elle se sentait mal à l'aise en présence de mon corps. Au fur et à mesure que nous travaillions ensemble sur le spectacle, la situation a changé et nous avons passé de bons moments. La toute première fois que nous nous sommes réunies, je ne portais pas la jambe, j'étais assise par terre et mon moignon était très court. Et j'ai dit que lorsque je me penche sur le côté gauche, mon je ne sais pas comment le dire, tout mon bassin, tout mon bassin tourne vers la gauche parce qu'il n'y a pas de musculature. Et elle a dit, je me souviens qu'elle a dit "Je... je ne peux pas imaginer ça". Mais son malaise ne s'est dissipé qu'une fois qu'elle m'a rencontrée dans un contexte de corps à corps.

LM: Comme si une empathie radicale commençait à se produire dans l'espace du studio. Vous articulez cette rencontre avec un soin si profond.

LS: Oui. Alors, j'ai juste... Je voulais simplement que ce problème soit résolu. En ce qui concerne la chorégraphie et l'amputé, il y a la chorégraphie avec la prothèse, la chorégraphie sans la prothèse, la chorégraphie avec des mouvements stationnaires et la chorégraphie avec des béquilles. Il existe donc différents dispositifs chorégraphiques qui peuvent être utilisés pour l'interprète ayant perdu un membre.

À ce stade de la conversation. Lawrence partage un lien vers son article Ni affamés, ni frigorifiés (enregistré au Gibney Dance Centre, New York, décembre 2021) sa collaboration avec Heidi Latsky.

LS: C'est une très bonne chorégraphe. Elle m'a fait faire une danse des béquilles à la fin du spectacle. Elle m'a fait mettre mon moignon sur l'une des prises. Vous savez, là où vous mettez votre main ? Des choses comme ça, des façons d'utiliser ces accessoires de mobilité comme un système à concevoir. C'était une manière très intéressante d'articuler et d'interroger les mouvements corporels de l'amputé.

Dans le studio de Berlin, j'ai eu l'impression, en tant qu'artiste de danse nord-américaine, de vivre un mélange de l'héritage de l'expressionnisme allemand et de l'héritage de la danse italienne. À partir de cela et des participants dans l'espace, nous avons commencé à créer quelque chose d'unique pour les pratiques intégrées. Je dirais que la pratique chorégraphique dans le contexte des arts du handicap, et plus spécifiquement dans le contexte de la danse pour amputés, témoigne d'une sensibilité au mouvement et à la dignité que l'on ne retrouve pas dans les modes plus traditionnels de la pratique de la danse contemporaine. C'est du moins ce que je pense.

Bien que la création de l'œuvre ait posé des problèmes, comme c'est toujours le cas, les représentations qui ont eu lieu dans un studio au Bethanien Arts Centre de Berlin m'ont offert quelque chose que je n'avais jamais expérimenté auparavant. La pièce et le processus de développement ont modifié ma sensibilité artistique et ma vision de la chorégraphie. La pratique chorégraphique de cette expérience a été importante pour moi en tant que danseuse handicapée. J'ai trouvé que l'incitation, l'esthétique et la résolution de la chorégraphie étaient uniquement orientées vers le danseur handicapé, malgré le fait que j'étais le seul danseur physiquement handicapé de l'ensemble. Mes contemporains italiens ont insufflé au processus une dynamique propre à la danse post-moderne dans leur utilisation de l'espace temporel et dans la manière dont il joue avec les réalités de l'interprète à mobilité réduite. Alors que mes partenaires ayant des difficultés d'apprentissage n'ont pas lutté pour surmonter l'espace, mes chorégraphes ont reconnu que ma difficulté à faire de même était un défi légitime qui pouvait être relevé par le phrasé et le mouvement stationnaire. Ce qui a été difficile pour moi, c'est de répondre à mes besoins individuels en matière d'appareils d'assistance (béquilles) tout en me mettant à nu sur scène à un moment ultérieur de la représentation, sans ma prothèse. En tant que danseur amputé, j'ai trouvé la direction de mes amis italiens formidable, significative et stimulante. D'après mon expérience, les chorégraphes nord-américains n'ont pas abordé l'espace de la même manière. Il m'a semblé qu'au moins pour l'un des chorégraphes italiens qui travaillait en Allemagne depuis trente ans et avait, à mon avis, consolidé une approche presque paneuropéenne de la danse, l'impératif artistique de la pièce représentait une opportunité généreuse pour le danseur handicapé de s'intégrer dans une dynamique de performance qui incluait le danseur physiquement handicapé par des mouvements stationnaires, l'utilisation d'appareils d'assistance et une opportunité de s'engager physiquement avec des interprètes ayant des difficultés d'apprentissage qui étaient essentiellement valides.

LM : Lawrence, merci beaucoup d'avoir pris le temps de parler de votre expérience et d'avoir fourni un contexte supplémentaire à l'écriture initiale. Il est très utile d'avoir le contexte plus large de votre travail pour encadrer l'expérience que vous avez eue en travaillant à Berlin.

LS : Merci de me donner l'occasion de partager mes réflexions et mon expérience professionnelle avec les lecteurs de Choreographic Practices. J'espère que, comme vous, ils trouveront cela intéressant. 

Bios :

Lawrence Shapiro : Lawrence se décrit comme un amputé de haut niveau au-dessus du genou et un survivant à vie du cancer, et il est un artiste sourd et handicapé validé par le Conseil des Arts du Canada. La formation de Lawrence est enracinée dans la scène artistique londonienne des personnes handicapées et il est un partisan enthousiaste de la danse intégrée. En plus de sa pratique chorégraphique et de la danse (qui a fait l'objet de tournées extensibles à travers l'Amérique du Nord), il a publié des articles sur divers sujets, notamment les questions d'accessibilité dans le secteur de la danse à Toronto, l'art du danseur amputé, le handicap queer et la réalité de l'homo-béisme. En tant qu'interprète et chorégraphe, elle possède une vaste expérience internationale, notamment dans le cadre du Hammersmith and Fulham Arts Festival à l'ouest de Londres, du Festival international de danse de Vienne (Vienne, Autriche), du Guelph Dance Festival (Ontario, Canada) et du Dancing On The Edge Festival (Vancouver, Canada), ainsi que dans le cadre de présentations sur le rôle de la danse dans la société canadienne, Canada) et des présentations sur le rôle de l'amputé dans la danse intégrée au Centre for Dance Research de l'université de Coventry, au Royaume-Uni, et des présentations sur le rôle de l'amputé dans la danse intégrée à la conférence de la Dance Studies Association au New Brunswick Performing Arts Centre, aux États-Unis.

Lee Miller : Lee Miller est un praticien-chercheur né au Royaume-Uni qui s'intéresse à l'espace entre les corps dans le spectacle, en particulier au fossé affectif entre le public et l'artiste. Il est l'un des co-éditeurs de Choreographic Practices et travaille en tant que responsable de la recherche postuniversitaire à l'université de Falmouth, au Royaume-Uni. @https://orcid.org/0000-0001-8074-0591